Si è tenuta a Cagliari la seconda edizione del festival Leggendo Metropolitano, manifestazione dedicata alla lettura che quest'anno ha avuto come tema .Le parole leali curata e organizzata dall'associazione culturale Pro Hairesis. Tra i nomi più importanti della manifestazione Corrado Augias che, insieme ad una serie di altri protagonisti, ha animato la due giorni che si è tenuta al quartiere Castello di Cagliari. Augias inoltre, con la collaborazione del Cedac, ha proposto al Teatro Massimo il suo ultimo lavoro teatrale “Raccontare Chopin. Come ha affermato ai nostri microfoni si tratta di un lavoro basato su due aspetti fondamentali della vita del grande compositore polacco: la musica e la malattia. In scena accanto a lui abbiamo potuto ascoltare le performance del maestro Giuseppe Modugno. Si tratta di uno spettacolo organizzato su due livelli, da una parte abbiamo al voce narrante di Augias che racconta la vita di Chopin e dall'altra abbiamo il maestro Modugno che ci spiega "Chopin" compositore, mostrandoci anche gli aspetti tecnici dei suoi brani e facendoci capire come la sua opera abbia rappresentato un momento rivoluzionario della musica classica, andando ad influenzare anche la musica contemporanea. Sono i due momenti simbiotici in cui la narrazione si appoggia alla musica e viceversa. Si parte dall’infanzia del grande pianista, passando per il suo trasferimento a Parigi, il successo e la notorietà sino ad arrivare alla malattia che ne causerà la morte. E' un racconto di impatto che si avvale di immagini e soprattutto di musica. Mentre il maestro Modugno esegue i pezzi al pianoforte, possiamo vedere in tempo reale le sue mani proiettate sullo sfondo, a darci la percezione di cosa significhi veramente realizzare ciò che si è abituati solo ed esclusivamente a sentire.

Augias conferma ancora una volta la sua grande disposizione alla narrazione, già mostrata nei molti libri scritti, nelle opere di teatro e nelle sue trasmissioni televisive. Quella di Augias è una vera passione intellettuale. Ha anche dimostrato di essere una voce critica del panorama giornalistico italiano, prendendo posizioni precise su decisioni governative oggettivamente poco condivisibili. Dalla chiacchierata fatta con noi di Viva la Radio! Network, sembra volere invitare alla salvaguardia dell'informazione libera, in un paese dove le leggi, tra cui l'ultima sulle intercettazioni, sembrano voler andare nel senso opposto. Resta comunque una grande passione per la cultura e per il proprio lavoro, aldilà della politica. Chiunque abbia assistito allo spettacolo, credo possa dire di essere uscito dal teatro contento. Chi già conosce e ama Chopin, sarà sicuramente stato soddisfatto dalla straordinaria esecuzione del maestro Modugno; chi non lo conosce ha potuto, in modo disteso ed a tratti anche divertente, conoscere uno dei capisaldi della musica classica.

Barbara Cadoni- Cagliari

La Provincia di Milano. 150 anni di Opere e Arte

I Tesori della Provincia in mostra

mostra promossa dalla Provincia di Milano

a cura di Nicoletta Colombo, Rosanna Pavoni e Elena Pontiggia

15 aprile- 13 giugno 2010

Spazio Oberdan -  Milano

ingresso libero

A 150 anni dall’istituzione della Provincia di Milano, una mostra vuole portare all’attenzione del grande pubblico il patrimonio artistico dell’ente. Dipinti, sculture e fotografie acquisite nel corso della sua storia secolare, durante la quale la Provincia ha accumulato una collezione ricchissima di opere d’arte di grande valore.

A cura di Nicoletta Colombo, Rosanna Pavoni ed Elena Pontiggia, l’esposizione dal titolo La Provincia di Milano. 150 anni di opere e arte. I Tesori della Provincia in mostra sarà visitabile presso lo Spazio Oberdan di Milano fino al prossimo 13 giugno.

La mostra si snoda su un percorso suddiviso in tre sezioni, a seconda del periodo di appartenenza delle opere stesse. Una prima sezione, che annovera le opere comprese tra il Cinquecento e il Settecento, vuole sottolineare l’importanza della raccolta e valorizzazione dei beni artistici diffusi sul territorio provinciale e di quelli acquistati nel corso del XX secolo sul mercato antiquario per Palazzo Isimbardi, sede della Provincia. Tra questi non possiamo non citare il secrétaire del maestro dell’intarsio Giuseppe Maggiolini, le pendole della manifattura milanese dei fratelli Manfredini (tanto rinomati per la loro eccellenza, che alcune loro realizzazioni andarono ad arredare gli appartamenti di Palazzo Reale), le scene pastorali e “animaliste” dei quadri di Philipp Peter Roos.

La seconda sezione comprende invece le opere del XIX secolo, in particolare dipinti e sculture acquistati direttamente dalla Provincia durante le mostre annuali di Brera, quelle della Società per le Belle Arti, quelle dell’Esposizione Permanente e delle Esposizioni Nazionali.

Dalla pittura paesaggistica (Bazzaro, Befani Formis, Gignous, Mariani, Bisi, Trezzini, Bianchi e Spreafico) alla pittura storica di costume (Passeggiata sul Lung’Arno a Firenze (1872-73) di Lorenzo Delleani e Campagna lombarda (1871-72) di Giudo Ricci ne sono esempi mirabili),  fino alle opere di Favretto, di cui è esposta la tela Amore tra i polli del 1879, esposta alla III edizione della Biennale di Venezia nel 1899. La sezione dedicata all’Ottocento include anche una serie di sculture, tra cui due opere di Enrico Butti (Una seconda lezione (1879) in marmo e Il guerriero di Legnano (1900) in bronzo) e una di Vincenzo Gemito (Testa di donna napoletana (1913), in bronzo).

Infine nell’ultima sezione della mostra dedicata al XX secolo spiccano molti nomi noti del panorama artistico nazionale: Alfieri, Carrà, De Grada, De Rocchi, Lilloni, Martini, Fillia, Prampolini, Salietti, Tosi, Usellini, Viani. Oltre ai grandi pittori citati, l’esposizione comprende anche alcune fotografie di autori celeberrimi (Basilico, Berengo Gardin, Chiaramonte, Cresci, Merisio, Jodice e altri), parte dell’ampia collezione della Provincia conservata al Museo di Fotografia Contemporanea di Villa Ghirlanda, a Cinisello Balsamo.

La mostra organizzata allo Spazio Oberdan vuole invitare a visitare anche il patrimonio architettonico di Milano e provincia, tra cui Palazzo Isimbardi, la sede della Prefettura Palazzo Diotti, la Caserma dei Carabinieri di Via Moscova, l’ex Brefotrofio di Via Piceno, nonché Villa Visconti Borromeo Litta a Lainate, il Convento dell’Annunciata di Abbiategrasso e l’Abbazia di Morimondo.

Veronica Monaco

B&BArt Museo internazionale di arte contemporanea e (In)visibile di Thomas e Bernhard Lehner (Cagliari), con la collaborazione di M’Arte Galleria (Arma di Taggia-Imperia) e Casa di Moda De Modè di Gian Giuseppe Pisuttu e Anna Maria Baldinu,

inaugurano la mostra Shadow and fire di Ermenegildo Atzori a cura di

Bianca laura Petretto.

Si tratta di un appuntamento artistico, proposto all’interno del progetto nazionale Ombre di fuoco 2010 voluto da quattro strutture espositive all’avanguardia che promuovono e investono in giovani talenti con produzioni d’arte contemporanea.

Nello Spazio d’arte contemporanea (In)visibile di Thomas e Bernhard Lehner viene ospitata una mostra dell’ultima produzione artistica di Ermenegildo Atzori. Una dozzina di opere nere realizzate tra il 2008 e il 2010 con materiali pesanti e con una tecnica elaborata con la combustione. Una sorta di luogo dell’ombra dove affiorano presenze. Lo spettatore entra nello spazio (In)visibile di Thomas e Bernhard Lehner completamente spoglio, pulito, senza aggiunte e infrastrutture. Un contenitore che rende protagoniste le opere esposte al buio, sottolineate da raggi flebili di luce che in modo indirizzato e essenziale, scoprono “presenze”. Volti tridimensionali, espressioni, paure, oblio e mondi che stanno altrove. Un’esperienza del luogo invisibile che diventa manifesto e si può vedere, osservare, vivere portando alla luce la parte più profonda della realtà. Un’esperienza concreta della materia capace di restituire lo stato interiore. Giocare col fuoco per far affiorare le emozioni e il rapporto con le cose in presa diretta.

La mostra è arricchita dal videoarte Shadow and fire Ermenegildo Atzori a cura di Bianca Laura Petretto con le musiche dei Garuà, un sofisticato gruppo jazz italiano e dal Libro – catalogo Shadow and fire Ermenegildo Atzori a cura di Bianca Laura Petretto con le fotografie originali di Paolo Medas ( in vendita, per la collana personalflash di B&BArt Museo arte contemporanea, Edizioni Giorgio Bombi).

In una serata esclusiva, promossa da B&BArt Museo internazionale d’arte contemporanea e lo Spazio d’arte contemporanea (In)visibile a Cagliari, il 9 aprile 2010, a partire dalle ore 19,30 Thomas e Bernhard Lehner, promuovono l’arte contemporanea attraverso una mostra inedita di Ermenegildo Atzori, artista sardo innovativo e di talento che in questo ultimo anno ha all’attivo altre tre mostre personali nazionali e internazionali che hanno riscosso successo e consensi di critica e di pubblico. Le opere nere esposte nella mostra Shadow and fire disintegrano la forma per recuperare il volume e restituiscono ritratti e visi di personaggi famosi interpretati nella loro umanità. Un modo originale e moderno di usare la materia per raccontare spazi di uomini e donne che si sono spinti oltre per perdersi, ma anche per vedersi e per essere scoperti. Un viaggio nel buio per apprezzare con gli occhi della meraviglia ciò che prende forma verso la luce.

Tratto dal comunicato stampa

SCHIELE e il suo tempo

Palazzo Reale -  Milano

Dal 24 febbraio al 6 giugno 2010

INFOLINE 02-92800375

www.mostraschiele.it

Evento culturale di straordinario interesse quello in corso a Palazzo Reale dove, fino al prossimo 6 giugno, saranno esposte quaranta opere di Egon Schiele, uno dei più importanti e geniali esponenti del panorama artistico europeo a cavallo tra Ottocento e Novecento. Questi capolavori, affiancati dalle opere di altri artisti suoi contemporanei, provengono interamente dal Leopold Museum di Vienna che si attesta a tutti gli effetti come la più grande raccolta internazionale di opere di Schiele.

Curata da Rudolf Leopold e Franz Smola, la mostra Schiele e il suo tempo intende inserire la complessità dell’artista viennese (il quale non può essere ridotto al solo StilKunst o al solo espressionismo) all’interno del contesto storico e culturale in cui si è formato e da cui ha successivamente preso le distanze.

Sono gli anni  in cui, dietro la facciata di una Vienna felice e spensierata, iniziano a manifestarsi i sintomi di un desiderio di rinnovamento e di una ricerca introspettiva più profonda, che si rende evidente non solo nelle arti figurative, ma anche nella musica (Strass, Mahler, Schönberg), nella letteratura (Roth, Musil), in architettura (Loos, Wagner, Olbrich). Sono anche gli anni in cui si sviluppa la psicanalisi freudiana e si diffondono idee e gusti estetici innovativi, che, volendo rompere con una realtà accademica troppo rigida e corporativa, si riunisce intorno alla figura di Gustav Klimt. Al motto di “A ogni epoca la sua arte. All’arte la sua libertà”, nasce nel 1897 il movimento di Secessione, a cui per un certo periodo aderirà anche Schiele.

Dall’iniziale accostamento all’espressività klimtiana (Fiori stilizzati su sfondo decorativo (1908) e Danzatrice Moa (1911) ne sono un mirabile esempio), il giovane Schiele abbandona ben presto il gusto per le linee eleganti e il senso ornamentale, per dedicarsi alla ricerca di uno stile più marcatamente espressionista, che predilige l’introspezione psicologica e l’osservazione emozionale ed empatica della realtà.

Giocando con il significato del verbo tedesco schielen (“essere strabico”, ma anche “guardare di sottecchi”), l’artista coglie tutta la importanza dello sguardo indagatore, che scava nel profondo dell’animo umano. La lunga serie di autoritratti rivelano il costante dialogo interiore di questo artista, che evidentemente influenzato dalle teorie freudiane, è mosso da un insopprimibile desiderio di indagare se stesso e i propri lati d’ombra. Pur nelle sue dimensioni ridotte, Autoritratto con alchechengi (1912) riassume perfettamente la capacità dell’artista di cogliere la propria dimensione più intima.

L’influenza di Freud accompagna Schiele anche nella sua peculiare riflessione sul tema dell’eros: i nudi, che rappresentano la maggior parte della sua produzione artistica, sono la testimonianza di una sessualità ormai affrancata, vissuta con il passare del tempo in maniera sempre più matura e libera dai sensi di colpa, soprattutto dopo l’incontro con Edith Harms, modella e compagna di vita (e di morte: Edith e Egon moriranno entrambi di influenza spagnola nel 1918, a pochi giorni di distanza l’una dall’altro). I contorni taglienti e scheggiati del fisico, l’uso anti-naturalistico del colore, gli atteggiamenti tesi ed esasperati, il brutto come dimensione artistica sono sintomo di una profonda solitudine e sofferenza, di un tormento generalizzato, a cui l’artista partecipa in maniera totalizzante.

Oltre l’espressionismo sono infine le opere che vanno dal 1916 al 1918, nelle quali Schiele sperimenta nuove modalità figurative più naturalistiche, equilibrate e armoniose: a questo mutato contesto espressivo appartengono le opere Nudo disteso (1917) e Due donne accovacciate (1918), esposte a chiusura della mostra.

Le opere di altri artisti di primo piano (quali Klimt, Kokoschka, Moser, Gerstl, Böler, Blauerstein, Moll, Egger-Lienz, Oppenheimer, Kolig, Boeckl), le restituzioni fotografiche della Vienna fin de siècle e la diffusione di alcuni brani musicali dell’epoca (tra cui spiccano composizioni di Johann Strauss II, Gustav Mahler e Alban Berg) permettono ai visitatori di immergersi pienamente in quella eccezionale congiuntura storica che ha visto la formazione del genio artistico di Egon Schiele e la nascita dall’arte moderna in Austria.

Veronica Monaco