VIVA LA RADIO ! NETWORK – MOLTO RUMORE PER NULLA DI W. SHAKESPEARE (Giulia Greco,Roma)

“Finito il gioco della guerra, gli uomini cedono alla tentazione di giocare agli Dei...”.

È da questa frase di Loredana Scaramella, ovvero traduttrice e adattatrice insieme a Mauro Santopietro, regista e attrice dello spettacolo Molto rumore per nulla di William Shakespeare, in scena fino al 22 agosto al Globe Theatre di Villa Borghese, da cui, secondo me, si deve partire per trovare la chiave interpretativa sia del testo che del registro stesso adottato nella piéce.

Si tratta del gioco più difficile in cui un uomo si possa trovare. Nessuna regola e il percorso obbligato dei giocatori diventa un labirinto costruito dalle circostanze, dal destino,dalla razionalità strategica e spesso infima.

È questo il caso della rappresentazione dove le vite dei giovani protagonisti vengono manovrate come burattini, tra le mani perverse e vendicative di Don Juan (Lino Musella) che, con la complicità del servo Borracio (Alessandro Federico) cercherà di sabotare nel nascere l’amore tra Ero (Mimosa Campironi), figlia del buono , Leonato (Daniele Griggio) e Claudio (Fausto Cabra) per soddisfare il suo innato, rancore nei confronti del fratello Don Pedro (Federigo Ceci).

Come in un groviglio intrecciato da fili di odio e di lucida malvagità, le situazioni continuano così ad essere intessute volontariamente in un evolversi continuo di equivoci e spiate sapientemente organizzate. Il gomitolo di falsità e amore potrà essere sciolto solo pagando a caro prezzo il disonore della pubblica vergogna.

La raffinata e puntuale regia di Loredana Scaramella,  procede su due orizzonti che viaggiano su due strade parallele; quella del magico, del fantastico, che regnano protagonisti in molte delle scene dello spettacolo e che vivono in un’atmosfera onirica, svelandone in pieno la loro rarefatta intensità. Prima fra tutte la scena di Claudio che piange la “presunta” morte di Ero al cimitero e ne canta l’epitaffio funebre.La suggestiva immagine della giovane sull’altalena, dolcemente e maternamente dondolare dalla nutrice Orsola (Paola Giannetti) tra uno spazio e un tempo sospesi.

E la strada, non meno vibrante, del concreto, del viscerale, della guerra e della vita, a dare maggiore incisività e credibilità dagli attori sempre attenti ai loro movimenti sul palco.

L’energia dei personaggi è contagiosa e sembra avvolgere in tutta la sua forza e la sua acrobaticità lo spettatore. Specialmente il ruolo di Beatrice (Loredana Scaramella) dà vita ad un personaggio esilarante e fresco, che infonde sin dalle sue prime battute ilarità e sense of humour ma che la porterà a piangere per il torto inflitto alla cugina, o in preda a sofferenze amorose per Benedetto (Mauro Santopietro).

In questa “danza frenetica e trascinante” spiccano preponderanti in tutta la loro veracità e istrionicità i colorati personaggi delle guardie (Federico Tolardo e Taiyo Yamanouchi), capeggiati dal poliedrico Carlo Ragone che, con misura e astuzia riescono a dare allo spettacolo sferzate di estrema comicità.

La regia sposa a trecentosessanta gradi la scelta di consegnare alla musica eseguita dal vivo dal Trio William Kemp, un ruolo decisivo e determinante; è lei, infatti, a incantare l’aria del palcoscenico tra note vivaci e ritmi coinvolgenti tratti dalla pizzica salentina.

In uno spettacolo in cui davvero “nulla” è affidato al caso e di cui il “rumore” risuona fino alla fine  nelle teste e nelle anime degli osservatori.

Giulia Greco

Jhon Malkovich… un mostro sacro del cinema e del teatro internazionale, straordinario interprete e con marchiato addosso il fascino ambiguo del cattivo. Torna a Prato cinque, sei volte l’anno a dispetto della “Fuga di cervelli” si è innamorato della Toscana e sta dando vita ad un progetto creativo, ma anche pratico, con l’Opificio JM.

Malkovich è un uomo particolare, antidivo, si innamorato del teatro a 13 anni andando a vedere “Our town” Di Thorton Wilder. Un amore che segue un filone tutto particolare di scelte che lo porta oggi sulle tavole, con un monologo ambiguo e affascinante: “The infernal comedy”. Confessioni di un assassino.

La storia estremamente attuale, estrapolata dalle lettere Di Jack Unterweger, è quella di  un serial killer di donne, scrittore, giornalista, intellettuale, controverso ed affascinante.

Malkovich è assolutamente inconsueto, potente e ironico, a tratti leggero come una piuma, nella sua interpretazione tutta in inglese, dal lontano accento austriaco.

Tema  attuale nella bollente estate italiana lo stolking. Omicidi di giovani donne, molestate e sfinite dalle attenzioni e dalla violenza dei loro uomini, le stesse storia che hanno riempito le cronache dei giornali.  

Un parallelismo casuale con le vittime indifese di Unterweger, le indifese giovani donne uccise in quest’estate 2010. Malkovich trasmette una sensazione apparentemente involontario, di un uomo che forse non riesce a cogliere la gravità definitiva dei suoi gesti, delle sue ripetute violenze. Jack Unterweger ha ucciso 11 donne nella sua escalation criminale.

Ecco Malkovich,pantaloni a scacchi e conversine, uno stile casual ma molto efficace, è  molto calmo, rilassato e puntuale. All’interno del suo atelier, Malkovich si muove in modo singolare e lento con l’aria di chi si occupa con cura delle persone che gli sono intorno.

1)Quanto tempo impiega per vestirsi?

Circa 1 minuto

2)Perché Prato?

Mi sono innamorato di questo posto 10 anni fa, un amore consolidato con la conoscenza di Riccardo Rami, mi sono innamorato del suo studio ed è nata una collaborazione, prima per la linea maschile e ora per l’OpificioJM

3)The Infernal Comedy è uno spettacolo molto forte. La storia di uno spietato assassino, un dongiovanni , uno scrittore che ha diviso l’Austria, amato e odiato, come si spiega tanto seguito?

Il fascino ambiguo ha molta presa sulla gente. Qualcuno si immedesima. Il suo vero talento era usare il suo fascino per ottenere ciò che voleva. Forse a volte anche noi vorremmo comportarci in modo terribile, ma non lo facciamo e ci chiediamo perché. Qualcun’altro si è chiesto forse: “perché non è toccato a me”. Si è sentito sollevato nel non   essere una delle sue vittime. Non è inconsueto che killer e rapitori esercitino del fascino sulle loro vittime.

4)Un fascino che certamente ha influenzato molto l’Austria

Unterweger era affascinante, ossessionante, infantile. Tramite le lettere sul palco piano, piano si scopre veramente chi era. Diventando famoso, lasciando emergere quelle qualità nascoste che la vita gli aveva sottratto, lui rappresenta il risveglio dell’Austria. Per questo forse ha mosso così tante personalità e coscienze. Ogni popolo è diverso, gli americani sono diversi dagli europei,  abbiamo un aspetto diverso, così ci sono posti dove le persone fanno cose mostruose e altri dove questo non è possibile, le reazioni sono diverse. Ma alla fine si coglie anche una certa tendenza al pentimento, questo aspetto mi ha affascinato.

5)Perché interpreta sempre cattivi?

In realtà ho interpretato di tutto nella vita, in 90 film. Sono stato artista, re, sacerdote buono e cattivo.

6)Cosa vi ha portato a mettere in scena proprio la storia di Jack Unterweger?

C’erano altre storie in ballo, ma poi questa è stata la prescelta. Era la più adatta

7)La musica in questa rappresentazione è di notevole importanza per coinvolgere ancora di più lo spettatore?

La musica è stata pensata ancora prima della storia e la storia costruita sopra.  Per gli spettatori Italiani è certamente ancora più importante, perché possono capire anche la parte cantata, il coinvolgimento è al massimo.

8) Atene, Parigi, Bilbao, Amburgo, Istambul e tante altre città come ha reagito il pubblico nelle diverse parti del mondo di fronte ad uno spettacolo recitato in inglese?

Ci sono state differenze, ma credo siano più che altro differenze tecniche, sulla rapidità dei sottotitoli o sul loro posizionamento.

9)Interpreterebbe un film sul mostro di Firenze?

In realtà potrei interpretare qualunque cosa fosse ben scritta. Qualunque cosa mi piacesse a prescindere dal soggetto.

10)Che film vorrebbe interpretare allora?

La storia di Filippo Lippi e Lucrezia Buti. In realtà Antony Minghella aveva già scritto la sceneggiatura prima di morire. Sì. Quello mi piacerebbe molto.

11)Quali sono i suoi posti preferiti quando è a Prato?

L’atelier di Riccardo Rami e il “King’s pub”

Appuntamento il sei settembre al palazzo dei congressi di Taormina con “The Infernal Comedy” ultima tappa Italiana.

Angela Rabazzi - Milano

Dopo repliche, applausi scroscianti, tutto esaurito, lo spettacolo teatrale Hard Candy è giunto al termine.

Ai nostri microfoni il pluripremiato regista Corrado d'Elia, che nonostante la giovane età vanta un curriculum di altissimo livello. Fondatore  ed ideatore  del  circuito " Teatri Possibili " e direttore del Teatro Libero, ha siglato il successo per il teatro la sceneggiatura del film  Brian Nelson Hard Candy.

La vicenda prende spunto da un fatto realmente accaduto in Giappone, ove un gruppo di ragazzine adescava in chat uomini maturi per poi torturarli. Il mondo della pedofilia rovesciato? Beh forse, ma la verità è che non c'è mai chi è vittima al 100% e chi totalmente carnefice, secondo clichè stabiliti. Per questo Corrado d'Elia indaga e porta in scena queste due facce della stessa medaglia: la 14enne Hayley apparentemente candida e che gioca a fare Cappuccetto Rosso e Jeff, l'affascinante fotografo di moda 35enne, pedofilo e vittima del suo stesso gioco. Si incontrano in casa dell'uomo dopo essersi conosciuti in una chat....

Le tante facce della verità e i loro punti di vista si alternano continuamente, presentando allo spettatore ora una giovane ragazzina che parla come una donna, ora una pazza vendicativa che tortura fisicamente e psicologicamente l'uomo per vendicare le vittime dei pedofili. E Jeff è veramente un pedofilo, un fotografo che adesca le modelle come le sue vittime o il povero torturato caduto in mano ad una squilibrata? Il mostro e la bambina, Cappuccetto Rosso e il lupo o il contrario?

Lo spettatore assiste a questa alternanza e a questo gioco pericoloso, a questa follia, accompagnata dalla nenia ossessiva di un carillon, rimanendo incredulo, stupito e colpito dallo spettacolo ma con una certezza: la piena riuscita della performance.

ALCESTI MON AMOUR da Alcesti di Euripide
Produzione: Associazione culturale Gianni Santuccio
Regia e drammaturgia: Walter Pagliaro
Traduzione: Filippo Amoroso
Interpreti: Micaela Esdra, Luigi Ottoni, Maria Locchi, Diego Florio
Musiche: Germano Mazzocchetti

E' densa di appuntamenti la XXVIII edizione del festival "La notte dei poeti", manifestazione organizzata dal Cedac Sardegna che dal 14 al 29 luglio porta sulla scena cagliaritana una serie di spettacoli dedicati al teatro greco ma non solo. Sede degli spettacoli il Teatro civico di Castello che dispone di una sala all'aperto e dell'atmosfera suggestiva tipica del centro storico di Cagliari. Numerosi gli incontri organizzati in concomitanza con la manifestazione sempre legati all'arte, al teatro e alla musica, notevoli le presentazioni degli spettacoli tenute dai registi, ai quali è stato possibile assistere nei centri culturali più importanti delle strette vie del centro storico cittadino.
Noi di Viva la Radio! Network abbiamo scelto, come sempre, di vedere lo spettacolo "Alcesti mon amour" e di seguire l'incontro con il regista Walter Pagliaro, considerandolo un momento emblematico dell'intera manifestazione. Dopo due anni di essenza Pagliaro torna sulla scena con la tragedia euripidea più antica Alcesti. E' uno spettacolo che porta in se molti anni di studio e anche per questo motivo è capace di mostrarci tutta la sua carica innovativa, senza che la storia originale venga stravolta. Infatti già dalle prime battute appare chiara l'intenzione di conservare con rispetto, la tradizione drammaturgica dell'opera. In scena, due attori Diego Florio e Maria Lochi che vestono stabilmente i panni del "coro", mentre gli altri due Micaela Esdra e Luigi Ottoni impersonano i restanti personaggi della tragedia da Admeto ad Alcesti, da Eracle ad Apollo, da Thanatos al padre di Admeto. Ma questo rispetto della tradizione si accompagna senza fratture al moderno, sia nel modo di presentare l'opera sia in quello di interpretarla. Il centro della rappresentazione è vicino al pubblico con un tavolo adiacente la prima fila e i gli attori entrano in scena passando tra il pubblico. Il palco c'è ed è facente parte di una scenografia "congiunta" con la platea e diventa palcoscenico solo in alcuni momenti salienti dello spettacolo. Ciò che però colpisce sono due aspetti molto importanti per l'economia complessiva dell'opera: le maschere e i costumi. Walter Pagliaro ritorna all'uso della tradizionale maschera teatrale, ma è una maschera inusuale, grottesca e colorata. E'una maschera di lattice quella indossata dagli attori, dissonante rispetto alla scenografia, che però si sposa perfettamente con uno stile recitativo classico ed allo stesso tempo estremamente attuale, mentre i costumi, di semplice tela, sembrano ricordare la povertà delle divise da lavoro. Momento culminante dello spettacolo è l'irruzione in scena di Eracle, armato di piatti da orchestra, eroe maschile della storia, che dopo una lotta con Thanatos, riesce a riportare in vita Alcesti, eroina femminile che aveva sacrificato la sua vita per salvare quella del marito, Admeto, destinato alla morte. Walter Pagliaro crede fermamente nell'importanza degli insegnamenti e degli esempi di vita che i classici greci ci hanno lasciato e la realtà di ciò vive in questa rappresentazione unica per il suo genere.

Barbara Cadoni-Cagliari

VEDERE CON I SUONI-NAUTILUS (liberamente ispirato a Ventimila leghe sotto i mari di Jules Verne)

Testo: Elio Turno Arthemalle

Collaborazione al testo: Felice Colucci

Regia: Elio Turno Arthemalle

Attori: Rossella Faa, Cristina Maccioni, Elio Turno Arthemalle, Alessandro Valentini, Massimo Zordan e gli allievi del Teatro Impossibile.

Musica: Rossella Faa

Chitarra: Giacomo Deiana

Voce: Rossella Faa

Fonico: Claudio Biolchini

Elio Turno Arthemalle sorprende il pubblico cagliaritano con “Vedere i suoni”, primo esperimento italiano di radio-teatro, andato in scena al Palazzo Regio di Cagliari. E’ un progetto nato sulla base del radiodramma classico, che per decenni ha tenuto compagnia alla famiglie di tutto il mondo. Ma non ci si limita a questo. Il progetto è stato realizzato in cooperazione con alcune associazione di non vedenti che hanno aiutato Elio e i suoi a creare uno spettacolo teatrale decisamente fuori dagli schemi. Si tratta di un lavoro che sovverte le regole del teatro classico, ma che allo stesso tempo rimane teatro, bello, coinvolgente e soprattutto ben recitato. Gli attori diventano quasi degli speaker radiofonici che, muniti di cuffie e microfono producono direttamente sul palco i rumori che andranno a fare da necessario corollario alla “scena”. E sempre sulla linea della sovversione, il pubblico diventa “cieco”, è bendato e può solo ascoltare e immaginare i fatti. Un teatro all’inverso insomma, in cui gli attori vedono il pubblico ma il pubblico non vede gli attori. Per creare una soluzione così riuscita è stato scelto di trarre la storia di Nautilus da “Ventimila leghe sotto i mari” di Jules Verne, romanzo fantascientifico per eccellenza. Grazie all’adattamento del racconto irrompono nella scena personaggi nuovi, come ad esempio la Balena, interpretata da Rossella Faa, che assume il ruolo di coscienza del capitano Nemo. Altri personaggi come invece il medico, uomo nel romanzo, diventa una donna nel nostro spettacolo. Sono variazioni che ci danno la misura di come, anche l’intervenire su uno romanzo storico della portata di “Ventimila leghe sotto i mari”, possa rivelarsi positivo, se fatto con intelligenza e spirito innovativo. Chi è riuscito a stare al gioco e a seguire lo spettacolo bendato, ha potuto godere di un’esperienza unica nel suo genere. Certo per noi ormai risulta difficile e quasi impensabile affidarci soltanto all’udito. E’ stato di grande interesse provare per un’ora a lasciarsi andare esclusivamente al suono delle parole e all’immaginazione . Esperimento riuscito insomma, sulla doppia linea dell’innovazione data dal radio-teatro e del provare a “sentire” come chi non vede. Sarebbe importante portare questo esperimento teatrale fuori dall’isola, per dimostrare che la semplicità delle idee e la sperimentazione hanno ancora un valore nel panorama teatrale italiano.

Barbara Cadoni-Cagliari